Пластическая анатомия: Наука и искусство

Часть 2

(Первая часть здесь)

Анатомия в какой-о момент превратилась просто в науку об органах, и ее конечной целью стало разделение, в то время как искусство всегда преследовало выражение единого художественного образа.

Художественное искусство через переживания и мастерство автора возвращает связь с миром, отходит от дифференциации обатно к интеграции человека с самим собой и миром. Пластическая анатомия показывает человека в своем собственном единстве, а художественное произведение — человека в единстве с миром.

Цель художественного познания без интегрирования останется недостигнутой, потому что художник не занимается простым изучением и копированием, как не должен и ученый попросту открывать механики природы, но быть дизайнером, использующим эти механики. Благодаря искусству человек учится узнавать и понимать определенные стороны действительности. При этом Готтфрид Баммес очень резко противопоставляет искусство и науку, отрицая, что последняя может быть искусством. С тем же успехом и изобразительному творчеству можно отказать в художественноси, когда оно становится демонстрацией мастерства технических навыков, а не сообщение душевных движений в личном видении.

Пластическая анатомия — тоже наука, а не просто художественный предмет. Она с помощью конкретных понятий и закономерностей делает шаг к духовному проникновению, к осзнанию сущности вещей, соединению содержания и формы.

Далее Баммес предлагает исторический экскурс в видение телесности в изобразительном искусстве сквозь века.

Средневековье — отправная точка европейского искусства как такового. В эту эпоху художники используют систему символов и прообразов для передачи религиозного осознания, восприятия аспектов святости в падшем человеке. Потенциальная возможность обретения святости к концу жизни не позволяла относиться к телу утилитарно и подробно изучить его функциональные особенности. 

В эпоху Ренессанса появляются первые натуралистичные изображения обнаженного тела за счет обращения к античности и смене отношения к человеку. Он становится более земным, более природным, более естественным. В нем теряется непознаваемость духовного, птому что смещаются сами акценты познания. 

Одним из самых значительных вкладов в пластическую анатомию делает Леонардо да Винчи с подачи анатома Марка Антонио делла Торре, который нанимает художника для работы над иллюстративным материалом своих лекций. Из этого плодотворного сотрудничества возникает идея 120-томного труда по анатомии человека. 

Усилия пластической анатомии направлены на созерцание, наблюдение за двигательными функциями фигуры, видение через знание, обоснование пластически объемной специфики поверхности тела.

Леонардо дал рисунок мышц человека, и это использовалось художниками его времнени, восхищающимися атлетизмом человеческих форм. Но мышцы — не то, что должно было стать впоследствии основой для изображения человека. 

Россо Флорентино превратил мышечный скелет в программу, которая стала олицетворением содержания и метода пластической анатомии в эпоху Ренессанса. Для фигур этой школы характерна гипертрофированность мышечного напряжения. 

У Микеланджело это видение достигнет научности, как понимает это понятие Баммес, потому что он разделял тело на мышцы, и отрисовывал каждую из них, создавая не образ, а справочник. Но этим он преодолел подражание природе и мог изображать человеческое по-своему.

Следующим ключевым этапом для пластической анатомии станет 16 век. Везалий — первый в Европе дает полный атлас скелета человека. Он создает подробные таблицы костей с репродукциями двигательного аппарата — семь томов уникальных трудов. Он изображал скелет так, как будто он исполняет житейские движения. Научно (с точки зрения физиологии) — неверно, зато очень верно с точки зрения пластической анатомии. Баммес считает этот труд высшей точкой в духовном восприятии анатомии, настолько живо Везалий вписал анатомическое знание в изображение живых образов.

В 16 веке художники обучались в процессе производства под руководство мастера, и редко находили возможности для выражения своего видения. Но уже Леонардо говорит, что практика должна опираться на хорошую теорию. 

Дюрер теорию искусства эпохи Ренессанса ставит выше средневековой ремесленной традиции, поднимая ее до уровня науки.

Расцвет искусства эпохи Возрождения наступает с открытием художественых академий по всей Европе. Начинается этот процесс с 1543 года с открытием Академии де сан Лука в Риме. В течение 16 века академии открываются по Италии, а в 17 веке — дальше по Европе. Отношения мастер-подмастерье сменяются на отношения учитель-ученик. В это время появляются первые учебники и пособия.

В то время продолжало высоко цениться копирование значимых работ, а вот в современной педагогической практике это считается несовершенным методом для познания. 

В эпоху Барокко к изображению движения тела обязательно присовокупляется эмоциональное выражение лица. Рисовальное представление расширяют пантомимические жесты.

«Чем выше искусство вещей, тем больше оно нас волнует», — пишет в своем учебнике Иоахим Сандрарт. 

«То, что в душе является причиной побуждения, влечет одновременно и тело к действию», — отмечат Анри Гостелин.

Даниэль Прейслер предлагает ученикам запомнить основные схемы движения. Далее требуется установить пропорции. 

Гортебат возвращает художников к личному видению: «Анатомия одна не может много сделать, чтобы произвести что-то красивое. Вновь и вновь взгляд должен направляться на полноценную жизнь.»

Таким образом, эпоха барокко убирает пробел между художественной практикой и теорией, а дифференцировав художественные дисциплины, дает более углубленное понимание вещей.

С 18 века происходит отход анатомии в область медицины. Происхоит это во многом как раз по причине академичности разделенных предметов. В учебнике тех времен читаем: «Искусство изображения относится прежде всего к любому изображению предмета в качестве артистической, художественной части исполнения, и лишь после этого происходит научное знакомство с изображаемыми предметами. Чем многостороннее станет научное образование художника, тем больше будет область охвта его искусства; нельзя точно определить границы подобного художественного образования художника — можно обозначить их лишь в общих чертах, включив в них такое обучение, неразрывно связанне с искусством и являющееся для художника такой же потребностью, как познание анатомии и понятие перспективы».

На самом деле и сейчас большинство художников невероятно тупы и зациклены на искусстве как таковом, либо на развекательной стороне процесса, находя в этом хобби и рефлексию негативных реакций. Все это говорит о продолжении дифференциации духовных процессов в процессе трудовой, познавательной и духовной деятельности. Романтизация рисования — такое же порочное явление, как и механизация его, сведение к манипуляциям над другими видами искуссва с помощью инструментов художественного творчества, либо занятием на интерес и ради удовольствия. Все это неприемлемо для тех, кто позволяет себе называться художниками.

Обсудить у себя 0
Комментарии (0)
Чтобы комментировать надо зарегистрироваться или если вы уже регистрировались войти в свой аккаунт.

Войти через социальные сети:

Dùil Mÿrkar
Dùil Mÿrkar
сейчас на сайте
Родилась: 28 Сентября
Читателей: 25 Опыт: 105 Карма: 0.212162
Я в клубах
Выходцы с blog.ru Пользователь клуба
CSS | Design Пользователь клуба
Фоны для MyPage Пользователь клуба
Русский язык Пользователь клуба
Любители книг Пользователь клуба
АРТик Пользователь клуба
Литературное кафе. Пользователь клуба
Конкурсы, акции, флешмобы MyPage Пользователь клуба
творческий клуб Пользователь клуба
Секреты Блоговеда Пользователь клуба
Баттлы блогов Пользователь клуба
Разговоры об искусстве Пользователь клуба
E s t h é t i q u e Пользователь клуба
d'Ecorate Blog Пользователь клуба
Icons Пользователь клуба
все 28 Мои друзья